Cinéaste, multi instrumentiste, photographe et globe-trotter, Sig est, à l’image de son parcours, un véritable électron libre, un explorateur des temps (et contretemps) modernes, un Artiste fondamentalement atypique, doué d’une créativité et d’une générosité rares. Son nouvel album, Freedpeed Sonata (by Sig), est un trip surréaliste, coloré, et vibrant d’une spontanéité intense mais réfléchie. Un disque dur à décrire, mais facile à aimer !
Sig nous avait déjà cloués sur place avec son album, Vertigo Bound (enregistré en Indes), et ses Free Cinematic Sessions (une triple galette qui fond dans les écouteurs et croustille dans le cerveau). Aujourd’hui, il nous colle une nouvelle gifle avec sa Freedpeed Sonata ; une sonate hip-hop jazzy-classique (et classieuse) en quatre mouvements.
C’est dans un bar près de Bonne Nouvelle que l’on a réussi à choper au vol ce drôle de Sig haut en couleurs…
Question : Comment est née l’idée d’associer hip-hop et musique classique ?
Sig : J’ai toujours fait du jazz et du classique, mais aussi des petites incursions dans le hip-hop, parce que j’aime beaucoup ce genre, surtout le hip-hop mélodique. L’idée d’une sonate hip-hop a germé il y a quelques mois alors que j’étais en train de bosser sur un projet symphonique pour grand orchestre (c’est mon rêve depuis longtemps). Je bossais surtout des compos au piano et je m’enregistrais pour capter des idées, des couleurs, des humeurs… et c’est en réécoutant les enregistrements que je me suis aperçu qu’il y avait des passages vraiment cool. Du coup je me suis amusé comme un gamin à looper des accords… c’est comme ça que je suis parti dans le délire de mélanger des styles qui n’ont apparemment pas grand-chose en commun. Je voulais associer des vibes classiques avec des couleurs expressionnistes, un peu comme, à l’époque, Debussy et Ravel, ou encore Tchaïkovski et Rachmaninov… je suis un grand fan des compositeurs russes ! Ensuite je me suis dit que ce serait vraiment original de coller des vibes jazzy et des beats hip-hop par-dessus. J’ai donc fait appel au suisse, Christophe Calpini, pour poser des beats. À partir de là, ça commençait vraiment à défoncer ! Du coup, comme j’étais en suisse, j’en ai profité pour contacter Salk (Christophe Turchi) pour qu’il ajoute des touches de saxo, et je voulais aussi que Nya (ndlr : chanteur avec qui Sig bosse depuis toujours) planche sur quelques titres. Ensuite, quand je suis retourné à Berlin (à cette époque, j’avais une résidence dans un club), j’ai demandé à la chanteuse (et amie), Joy Frempong, de poser son flow sur plusieurs titres. Elle est partie dans des impros totales, et comme on se connaît bien, c’est allé tout seul parce qu’on est vraiment connectés au niveau musical… Elle a un feeling jazz et en même temps elle a le côté «London», un peu «dada». C’était super spontané ! Elle n’aura mis que deux jours pour plier l’affaire. Et pour finir, Marcello Guiliani a posé ses lignes de basse sur le tout… En fait, tout est allé très vite. Le plus long aura été d’éditer, parce que j’avais un matériel hallucinant. J’avais plus d’1h45 de musique ! Du coup j’ai dû couper plein de trucs pour ne garder que 50 minutes de musique. En plus je voulais vraiment faire comme une sonate et que les morceaux s’enchaînent de manière fluide.
Question : Comment as-tu procédé pour le découpage des morceaux ? Avais-tu déjà à l’esprit une sorte de «trame» au moment de l’enregistrement ?
Sig : Non, pas du tout ! Comme je te l’expliquais, le travail de composition est d’abord parti d’improvisations, et ce n’est que plus tard qu’il est devenu plus précis. Donc au départ, tu commences avec un truc assez flou, puis au fur et à mesure, les choses progressent, se précisent de plus en plus, et à la fin tu pinailles sur des petits détails… Mais finalement, même le travail d’editing aura été assez facile parce que je voulais vraiment que, à l’image d’une sonate, l’album soit un tout cohérent, une progression sans répétition… il fallait juste couper les « redites » et construire des ponds entre les différents morceaux. D’autre part, je tenais vraiment à rester dans des formats courts. Pour que ça évolue comme un mouvement classique, il fallait que ce soit des petites idées de 30 secondes, 1 minute, 2 minutes, un peu comme un spectacle… ça évolue, ça t’amène à autre chose, une autre couleur, un nouveau tempo, et ainsi de suite.. un peu comme un voyage. Et tout voyage a ses aléas… Tu ne peux pas tout prévoir dans les moindres détails ! Il y aura forcément des imprévus, des bonnes et des mauvaises surprises, c’est ce qui fait le charme et la beauté du truc… les aléas !
Question : Si tout est si «relatif», comment as-tu fait pour délimiter chacun des quatre mouvements ?
Sig : C’est bizarre parce que, hormis une ou deux inversions, l’ordre des morceaux est quasiment le même que l’ordre d’enregistrement. Du coup le découpage des mouvements paraissait assez évident… mais je ne voulais pas faire un découpage «strict», genre un titre de 3 minutes avec un refrain, silence, puis on passe à un autre titre .. comme sur un album normal. Je ne voulais pas non plus alterner «bloc hip-hop» puis «bloc classique». L’album doit être pris dans son ensemble, c’est un enchaînement de petites sections qui s’imbriquent et évoluent pour former un tout. Donc il a fallu que je crée comme des «rustines», ou disons plutôt des petites variations, pour ne pas sentir de réelle coupure entre les titres… pour diluer le passage d’une idée à l’autre.
Question : Tu as donné des indications d’interprétation pour chacun des morceaux… pour quelqu’un qui prône la liberté, ça a un côté assez directif !
Sig : Non, en fait, je me suis amusé.. c’était plus pour rigoler. Tu sais, sur les partitions de musique classique, lorsque tu as des petits préludes ou des variations, tu as toujours l’indication des nuances, si tu dois jouer rapidement, fort ou doucement… mais là ce sont des indications d’interprétation plutôt poétiques, genre «mystérieux», «lunaire», «enfantin», «gai et funky décalé»… des indications expressionnistes ! C’était plus une «joke» qu’autre chose, mais je trouvais que ça rajoutait une petite touche de poésie.
Question : Étant donné que le travail est essentiellement basé sur de l’improvisation, j’imagine que ça doit être dur de le reproduire sur scène ?
Sig : Ben, c’est sûr que c’est jamais pareil ! Mais bon, à la base ce sont quand même des trucs que j’ai composés et mûrement réfléchis.. ça part de mélodies concrètes. C’est vrai qu’il y a beaucoup de liberté, mais en même temps c’est très travaillé. Après, en live, rien n’est jamais super calculé à l’avance… d’ailleurs, tout compositeur, même les compositeurs classiques comme Ravel par exemple, laisse une grande place à l’improvisation. Il laisse toujours les idées venir.. Tu sais, il y a des gars comme Bartók qui n’arrivent pas à rejouer deux fois la même chose ! Bartók composait des sonates complètement hallucinantes et avant-gardistes, mais quand il était au piano lors de ses tournées, il improvisait la plupart du temps. Moi c’est un peu pareil. J’arrive pas à rejouer exactement la même chose.. J’ai dû composer 5000 thèmes, en jazz, classique, etc, donc je ne me souviens pas de tout. Je me souviens de l’idée de base, et puis je pars dans autre chose. En fait, j’aime bien ça…se renouveler sans cesse. Je joue chaque fois quelque chose de nouveau. C’est un état d’esprit assez «carpe diem». D’ailleurs je trouverais ça hyper ennuyeux de devoir jouer la même chose jour après jour ! Imagine deux cents concerts par an avec toujours le même programme.. c’est comme pointer au boulot ! Ceci dit, il y a plein de musiciens qui aiment ça.. avoir un show bien huilé, une track-list bien définie et sans surprise, c’est sûr que c’est rassurant. Le problème c’est qu’il n’y a aucune prise de risque, parce que tu as ton programme bien établi. Pour ma part, il n’y jamais deux concerts pareils ! À la limite, d’un concert à l’autre, tu as presque l’impression qu’il s’agit d’un groupe différent. Si t’es dans un théâtre et que c’est le silence absolu, tu vas jouer doucement. Mais si t’es dans un club et que tout le monde a picolé, tu vas envoyer des beats ! Donc ça change à chaque fois de vibes, d’humeur, d’invités… et comme je joue de plusieurs instruments, parfois je me mets au violoncelle, parfois au piano… c’est à chaque fois un nouveau voyage ! J’envoie des idées et les autres musiciens suivent selon l’humeur du moment.. ils kiffent parce qu’ils sont dans un état d’alerte permanent. C’est aussi très fatiguant ! Mais finalement, dans ce genre de concerts, il y a très peu de déchets… bien sûr, il peut y avoir des moments moins bien, mais il y a aussi des moments magiques, et ça peut aller très très loin… bien plus loin que si tout avait été calculé ! Par contre, il faut que l’audience soit ouverte à cela.
Question : En parlant de l’audience ; à ton avis, cette sonate hip-hop séduira quel genre de public ?
Sig : Je pense que ce disque peut séduire un public très large ! J’ai eu des bons retours de la part de vrais inconditionnels de hip-hop, de même que de férus de musique classique… D’ailleurs c’est assez drôle de constater que ces genres fonctionnent finalement bien ensemble. Les gens pensent souvent que le hip-hop et le classique sont deux univers diamétralement opposés, alors qu’en fait, il suffit de les réunir pour s’apercevoir qu’ils ne sont pas si éloignés que ça, et qu’ils se complètent même très bien ! Cette sonate hip-hop aura peut-être le mérite d’ouvrir l’horizon de différents publics, de faire changer le point de vue des uns sur le goût des autres, et réciproquement.
Question : Et, plus concrètement, dans quel rayon peut-on trouver ton disque ?
Sig : Au rayon jazz… parce que les amateurs de hip-hop ne mettront jamais les pieds au rayon classique, et les mordus de classiques ne s’aventureront jamais au rayon hip-hop. Donc le rayon jazz semblait être un bon compromis entre les deux !
Freespeed Sonata by Sig (Makasound), sortie : février 2010